15 einflussreiche Kunst- und Designbewegungen, die Sie kennen sollten

Seite 1 von 3: Künstlerische Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts Kunst- und Designbewegungen: Quick Links

01. Impressionismus
02. Kunst und Handwerk
03. Jugendstil
04. Kubismus
05. Futurismus
06. Konstruktivismus
07. Bauhaus
08. Art Deco
09. Surrealismus
10. Abstrakter Expressionismus
elf. Schweizer Design / ITS
12. Pop-Art
13. Minimalismus
14. Postmodernismus
fünfzehn. Memphis

Als Designer kann Inspiration von überall kommen. Aber manchmal laufen Einflüsse, Einstellungen und Ansätze zusammen, um eine kohärente Bewegung zu bilden, die sich weltweit auswirkt.



Im Laufe der Jahrhunderte gab es Hunderte von Kunst- und Designbewegungen unterschiedlicher Größe und Bedeutung - einige konzentrierten sich auf den Stil oder die Herangehensweise eines bestimmten Künstlerkollektivs an einem bestimmten Ort, andere auf viele kreative Disziplinen und viel organischer auf die Interpretation .



Unabhängig davon, ob sie vor 150 oder 30 Jahren stattfanden, sind die Auswirkungen vieler dieser Ereignisse noch heute zu spüren - vielleicht haben Sie sogar ihren Einfluss gespürt, ohne es zu wissen. Diese Dinge bewegen sich oft in Zyklen, insbesondere mit dem zeitgenössischen Trend zur Retro-Ästhetik. Ein wenig kunsthistorisches Wissen reicht also weit.

Es gibt bestimmte Kunst- und Designbewegungen, mit denen Kreative vertraut sein müssen. Lesen Sie weiter für unseren umfassenden Leitfaden zu 15 der einflussreichsten Kunst- und Designbewegungen des 20. Jahrhunderts.



Wir haben diese in chronologischer Reihenfolge mit den Beispielen angeordnet Seite 2 und Seite 3 Am relevantesten für Grafikdesigner und diejenigen auf dieser Seite und Seite 2, die wahrscheinlich mehr Künstler und Illustratoren inspirieren. Verwenden Sie das Quicklinks-Menü, um direkt zu dem Abschnitt zu springen, den Sie zuerst erkunden möchten, oder scrollen Sie weiter, um sie der Reihe nach zu lesen.

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01. Impressionismus und Postimpressionismus

Sonnenuntergang am Fluss bei Lavacourt, Wintereffekt (1882) von Claude Monet



Der Sonnenuntergang am Fluss in Lavacourt, Winter Effect (1882) zeigt Claude Monets Talent, Licht und Farbe einzufangen

Der Impressionismus entwickelte sich im späten 19. Jahrhundert hauptsächlich in Frankreich und war eine Kunstbewegung, in der eine kleine Gruppe von Malern die damals traditionelle Betonung historischer oder mythologischer Themen zugunsten der Darstellung der visuellen Realität und insbesondere der Vergänglichkeit des Lichts vermied. Farbe und Textur.

Sieben Maler standen im Mittelpunkt dieser äußerst einflussreichen Bewegung: Claude Monet Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Armand Guillaumin und Frédéric Bazille - und arbeiteten und stellten zusammen aus.

Die Impressionisten gaben die etablierte Palette gedämpfter Grün-, Braun- und Grautöne für ihre Landschaften zugunsten einer viel helleren, ausdrucksstärkeren Farbpalette auf, um Bedingungen wie gesprenkeltes Sonnenlicht und Reflexionen auf welligem Wasser darzustellen.

Anstelle von Grau- und Schwarztönen für Schatten verwendeten sie eine ganze Reihe von Komplementärfarben - und Objekte wurden mit Farbtupfern dargestellt, anstatt mit einem harten Umriss definiert zu werden.

Stillleben, Krug und Obst (1894) von Paul Cezanne

Eine Ikone des postimpressionistischen Stils: Paul Cezannes Stillleben, Krug und Obst (1894)

Der Postimpressionismus umfasste viele der Grundsätze seiner Vorgängerbewegung und lehnte gleichzeitig einige seiner Einschränkungen ab. Maler wie Paul Cezanne , Georges Seurat, Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Henri de Toulouse-Lautrec verwendete ähnlich reine, brillante Farbpaletten und ausdrucksstarke, kurze Pinselstriche, versuchte aber auch, die Arbeit auf etwas weniger Vergängliches und Experimentelles zu heben.

Anstatt sich die Bedingungen des natürlichen Lichts und seine Wirkung auf die Farbe ständig zu ändern, konzentrierten sich Cezanne und die anderen Postimpressionisten mehr auf feste, dauerhafte Objekte mit Stillleben - wie Cezannes Krug und Frucht und van Goghs Sonnenblumen - als Symbol für die Bewegung.

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02. Kunsthandwerk

Strawberry Thief Wallpaper von William Morris

Die berühmte Strawberry Thief-Tapete von William Morris ist ein perfektes Beispiel für die Ästhetik von Arts and Crafts

Als Reaktion auf den Anstieg der Massenproduktion (und den damit verbundenen Rückgang des handwerklichen Könnens) während der industriellen Revolution kam es in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu einer Wiederbelebung des Interesses an dekorativen Künsten in ganz Europa - passend bekannt als Arts and Crafts-Bewegung .

An der Spitze dieser neuen Bewegung stand der Reformer, Dichter und Designer William Morris, der in den 1860er Jahren ein Kollektiv von Mitarbeitern bildete, um die handwerkliche Qualität des Mittelalters wieder zu erwecken. Sie produzierten wunderschöne Metallarbeiten, Schmuck, Tapeten, Textilien und Bücher.

1875 wurde dieses Kollektiv als Morris and Company bekannt, und in den 1880er Jahren hatten die Haltung und die Techniken, die sie praktizierten, eine ganz neue Generation von Designern inspiriert, und die Arts and Crafts-Bewegung war geboren.

Während viele die Praktikabilität derart komplizierter Handarbeiten in der modernen, industrialisierten Welt kritisierten, hält der Einfluss der Bewegung bis heute an.

03. Jugendstil

Detail aus dem Haus für einen Kunstliebhaber in Glasgow, entworfen von Charles Rennie Mackintosh

Ausschnitt aus dem Haus für einen Kunstliebhaber in Glasgow, entworfen von Charles Rennie Mackintosh im Jahr 1901, aber erst in den 1990er Jahren gebaut

Nach der Arts and Crafts-Bewegung war der Jugendstil sowohl in Europa als auch in den USA eine hauptsächlich dekorative Bewegung. Ein charakteristisches Merkmal des Stils ist die Verwendung von organischen, asymmetrischen Linien anstelle fester, einheitlicher Formen - angewendet auf Architektur, Innenräume und Schmuck sowie Plakate und Illustrationen.

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Aufwändige Eisenarbeiten, Glasmalereien, Keramiken und Ziermauerwerk wurden ausdrücklich verwendet, wobei Freiformlinien Vorrang vor allen Bildelementen in den Entwürfen hatten, die häufig von empfindlichen Formen in der Natur inspiriert waren, wie Blütenstielen, Weinreben, Kriechpflanzen, Ranken und Insekten Flügel.

Der schottische Architekt und Designer Charles Rennie Mackintosh war ein führender Vertreter der Jugendstilbewegung, ebenso wie der tschechische Grafiker Alphonse Mucha und der berühmte spanische Architekt und Bildhauer Antonio Gaudí, für dessen Magnum Opus, Barcelonas La Sagrada Família, bekanntermaßen im Bau ist mehr als 130 Jahre.

F. Champenois von Alphonse Mucha

Dieses auffällige Jugendstil-Kunstwerk von Alphonse Mucha wurde verwendet, um die Druckerei F. Champenois zu fördern

Muchas atemberaubende Kunstwerke, von denen viele kommerzielle Aufträge für Werbekunden waren, kombinierten die fließenden organischen Linien und natürlichen Motive des Jugendstils mit sinnlichen Frauenporträts.

Während der dekorative Stil nach 1910 aus der Mode kam, erlebte er in den 1960er Jahren dank einer Reihe bedeutender Ausstellungen in London, Paris und New York eine Wiederbelebung, die nachträglich dazu beitrug, einen Stil, der einst als vorübergehende Modeerscheinung galt, zum Status eines zu erheben internationale Bewegung, die Mode, Musikdesign und Werbung beeinflusste.

04. Kubismus

Les Demoiselles d

Pablo Picassos Werk Les Demoiselles d'Avignon von 1907 ist wohl das berühmteste Beispiel des Kubismus

Zwei Künstler waren maßgeblich an der Gründung der kubistischen Bewegung beteiligt: ​​Pablo Picasso und Georges Braque. Im Gegensatz zu den expressiven Versuchen, natürliche Bedingungen im Impressionismus und Postimpressionismus einzufangen, handelte es sich beim Kubismus um flache, zweidimensionale, verzerrte Objekte, bei denen eine genaue Perspektive zugunsten der surrealen Fragmentierung geopfert wurde.

Der Name stammt von einer abfälligen Bemerkung des Kunstkritikers Louis Vauxcelles, der Braques 1908er Werk Houses at L’Estaque als 'aus Würfeln zusammengesetzt' bezeichnete. Aber es war Picassos Les Demoiselles d'Avignon, der im Vorjahr gemalt wurde, der die Räder in Bewegung setzte und fünf weibliche Akte als gebrochene, eckige Formen darstellte.

Während Braque und Picasso weiter untersuchten, wie abstrakte Formen verwendet werden könnten, um vertraute Objekte zu definieren, wird die Zeit von 1910 bis 1912 oft als analytischer Kubismus bezeichnet. Es herrschte eine unverwechselbare Palette von Bräune, Braun, Grau, Creme, Grün und Blau. Zu den gängigen Themen gehörten Musikinstrumente, Flaschen, Zeitungen und der menschliche Körper.

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Nach 1912 entwickelte sich daraus ein synthetischer Kubismus, bei dem mehrere Formen in den immer farbenfroher werdenden Kunstwerken kombiniert werden, bei denen Collagetechniken zur Erforschung der Textur verwendet wurden. Die von Braque und Picasso definierte Bildsprache wurde später von vielen anderen Malern aufgegriffen und beeinflusste auch Bildhauer und Architekten wie Le Corbusier.

05. Futurismus

Das Lachen (1911) von Umberto Boccioni

Umberto Boccionis The Laugh (1911) zeigt die Empfindungen, die sich aus der Beobachtung des modernen Lebens ergeben, und gilt weithin als sein erstes wirklich futuristisches Werk

Der im frühen 20. Jahrhundert in Italien gegründete Futurismus versuchte, das Tempo, die Vitalität und die Unruhe des modernen Lebens durch ausdrucksstarke Kunstwerke einzufangen, die letztendlich Krieg, Faschismus und das Maschinenzeitalter verherrlichten. Der ästhetische Stil verbreitete sich später in ganz Europa und insbesondere in Russland.

Die Bewegung wurde 1909 offiziell angekündigt, als die Pariser Zeitung Le Figaro ein Manifest des italienischen Dichters Filippo Tommaso Marinetti veröffentlichte, der den Begriff prägte, um zu beschreiben, wie seine Arbeit sozialen Fortschritt und kulturelle Innovation zelebrierte.

Spitzentechnologie wie das Automobil wurde auf ein Podest gestellt, während traditionelle Werte - und historische Institutionen wie Museen und Bibliotheken - aggressiv abgelehnt wurden.

Luftangriff (1932) von Tullio Crali

Bombardamento Aereo von Tullio Crali (1932) ist ein spätfuturistisches Werk, das die Geschwindigkeit und Mechanik der Luftkriegsführung verherrlicht

Zwei der führenden Befürworter des Futurismus, Umberto Boccioni und Antonio Sant'Elia, wurden 1916 im Kampf getötet. Die Ästhetik drückte sich jedoch in der modernen Architektur aus, als Visionen mechanisierter Städte, die von hoch aufragenden Wolkenkratzern definiert wurden, Wirklichkeit wurden. während Künstler wie Tullio Crali den Stil bis in die 1930er Jahre beibehalten haben.

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