Kultige Epochen des britischen Designs

In den letzten 50 Jahren hat sich das britische Grafikdesign als die einflussreichste und am weitesten verbreitete visuelle Sprache der Welt etabliert. Von der Bewegung der Nachkriegsmoderne an hat diese kleine Insel Einflüsse von der Schweizer Moderne bis zum Dadaismus, vom Bauhaus bis zum Situationismus aufgenommen und an jedem geschnitzt und geätzt, bevor sie ein wahrhaft eigenwilliges Werk zurückspuckte.

Das britische Design ist sowohl in seiner Herangehensweise als auch in seiner Ausführung einzigartig und schafft es, eine Angriffslinie des Massenmarktes mit Designklassikern wie Penguin Books und Routemaster-Busplakaten in Einklang mit der unübertroffenen Energie und Haltung von Jamie Reids Punk-Ästhetik zu bringen.

Von Alan Fletchers modernistischer Verschmelzung von europäischem und US-amerikanischem Design bis zu Neville Brodys jahrzehntelanger visueller Arbeit in den 1980er Jahren hat das Grafikdesign in Großbritannien zeitgenössisches Grafikdesign auf der ganzen Welt geprägt, geformt und letztendlich inspiriert. Von Barnbrook bis Brody, von Calvert bis Garrett und von Alan Fletcher bis Barney Bubbles hat Großbritannien einige der wichtigsten Designer aller Zeiten hervorgebracht. 'Alle diese Figuren haben eines gemeinsam', bestätigt der renommierte Designkommentator und Autor Adrian Shaughnessy. 'Keiner passt in den Begriff des gemütlichen britischen Traditionalismus.'



Vom Nachkrieg zum Nachpunk 1950-1979
Im Mai 1951 leitete das Festival of Britain eine kühne neue Vision für das britische Design und die britische Kultur ein. Das Festival of Britain blickte nach der Verwüstung des Zweiten Weltkriegs streng in die Zukunft und feierte einen modernistischen Ausblick, der sich in allem widerspiegelte, von den Plakaten der Ausstellung bis zu den Gedenkmarken, die zur Feier des Ereignisses erstellt wurden.

Unter den 10 Millionen Besuchern der sechs Hauptausstellungen befand sich ein junger Alan Fletcher, der zwei Jahre später Colin Forbes, Theo Crosby, Derek Birdsall und Ken Garland am Royal College of Art traf. Nach seiner Rückkehr vom Grafikstudium in den USA bei dem legendären Paul Rand gründete Fletcher Fletcher / Forbes / Gill, das sich nach mehreren Inkarnationen in Pentagram verwandelte - eine der bedeutendsten Designagenturen aller Zeiten.

'Alan Fletcher war stark vom amerikanischen Design beeinflusst', sagt Shaughnessy, der Fletcher als einen wichtigen - wenn auch manchmal zahmen - Katalysator des modernen britischen Designs nennt. 'Die Verwendung von visuellen Wortspielen und visuellen Witzen hat dazu geführt, dass ein Großteil seiner Arbeit nur eine schärfere Version des gemütlichen britischen Tradismus ist. Seine Mitgründung von Pentagram ist jedoch eine große Leistung im britischen Design. '

Während Fletcher, Forbes und Gill an Kampagnen für Pirelli arbeiteten, die sich auf eine Kombination aus US-amerikanischem und europäischem Design stützten, erlebte das britische Infrastrukturdesign eine Revolution.

Das Verkehrsministerium, besorgt über die Unregelmäßigkeit der Verkehrszeichen in Großbritannien, wollte den Erfolg des einheitlichen Markenzeichens und der Identität von London Transport nachahmen. Jock Kinneir und seine Assistentin Margaret Calvert wurden beauftragt, ein einheitliches Erscheinungsbild für alle Autobahn- und Verkehrszeichen zu erstellen. Diese neuen blau-weißen Schilder waren laut Calvert die absolute Essenz des Grafikdesigns; klar beschriftete, direkte Informationen ohne jegliche Unordnung. Die Schilder von Kinneir und Calvert wurden schnell so identifizierbar britisch wie Londoner Busse und schwarze Taxis und prägten das Infrastrukturdesign auf der ganzen Welt. Sie bleiben ein Einfluss auf Online-Navigationssysteme.

Im Gegensatz zur visuellen Effizienz des radikalen Zeichensystems von Kinneir und Calvert war die Augenexplosion Ende der 1960er Jahre. Von Alan Aldridges Plattenhüllen für Cream and The Who bis zum Oz-Magazin - gegründet vom Illustrator (und australischen Ex-Pat) Martin Sharp - gab es einen Ausbruch von Farbe und Energie aus dem Underground-Presse- und Musikgeschäft, der sich wie ein Lauffeuer auf die USA ausbreitete USA und Europa.

'Die Gegenkultur der 1960er Jahre war entscheidend für die Entwicklung des britischen Grafikdesigns', glaubt Shaughnessy. „Vielleicht nicht stilistisch, sondern um zu zeigen, wie Bilder für subversive oder transgressive Zwecke verwendet werden können. Ich denke, es hat gezeigt, dass „Grafikdesign“ Kunst sein kann und dazu dient, Nachrichten und Codes zu übermitteln. Es war das erste Mal, dass Grafikdesign von der alten britischen Tradition des guten Geschmacks und der guten Manieren abwich. '

Unter dem italienischen Art Director Germano Facetti hatte Penguin begonnen, das Gesicht seines klassischen Brandings zu verändern. Facetti beauftragte eine Reihe aufstrebender britischer Illustratoren und Designer, darunter Alan Aldridge, experimentelle Bilder in den starren, klassischen Rahmen der von dem Schweizer Designer Jan Tschichold entworfenen Cover einzubringen. Diese Kombination war ein Meisterstück - sie erhöhte sofort das zeitgenössische Ansehen von Penguin im Bücherregal und hielt die Marke eindeutig identifizierbar. Dieser Ansatz ist bis heute eine solide Designkonvention und zeigt sich auch in Beispielen, einschließlich der vorlagengesteuerten Cover des Time Magazins.

Während die Explosion psychedelischer Kunstwerke und Einflüsse in den 1960er Jahren in Musik und Mode kollidierte, wurde sie schnell veraltet und beruhigt. Ein Gräuel dafür - und für die freie Liebeskultur im Allgemeinen - kam von der Punk-Bewegung.

'[Punk] hat die formale Tradition des Grafikdesigns verworfen und durch freie anti-formalistische Ausdrucksformen ersetzt', erklärt Shaughnessy. 'Es hat allen gezeigt, dass Grafikdesign nicht nur zur Übermittlung von Werbebotschaften von Kunden verwendet werden kann.'

Tatsächlich waren die Botschaften der Punk-Bewegung postmoderne, surrealistisch angehauchte revolutionäre Aufrufe zu Waffen - von Jamie Reids mittlerweile berühmter Arbeit für die Sex Pistols bis zur DIY-Ästhetik von Fanzines wie Schnüffelkleber . Dies waren zweifellos prägende Untergrundarbeiten. Aber was sie weiter inspirieren würden, würde die Wertschätzung des britischen Grafikdesigns auf der ganzen Welt verändern.

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Vom Thatcherismus zum Web 1980-1995
Im Mai 1980 wurde ein kleiner Verlag gegründet, der von einem einmaligen NME-Redakteur gegründet wurde Das Gesicht . In den nächsten 20 Jahren wurde es zu einem Leuchtfeuer für Mode, Musik und Jugendkultur. Doch sein Vermächtnis als Designstück strahlt heller als sein kulturelles Licht und dient als Vorlage für die Mode- und Stilmagazine der Welt.

An der Spitze des hochmodernen Stils des Magazins stand Neville Brody - heute einer der berühmtesten Designer Großbritanniens nach seiner Arbeit für Das Gesicht , Sand und in den letzten Jahren seine Neugestaltungen von Die Zeiten und Wächter Zeitungen in den Forschungsstudios. Brodys Verwendung unkonventioneller und typografisch kühner Layouts gepaart mit intimer Porträtfotografie war eine Offenbarung und prägte das redaktionelle Design.

Vor den 1980er Jahren ging es beim britischen Design um traditionellen Stil - heraldische Embleme, dekorative Typografie und akademische Illustration. Aber Grafikdesign holte Popmusik und Mode ein und setzte auf radikalen Street- und Anti-Establishment-Stil “, sagt Shaughnessy. 'Aber diese Besessenheit vom Stil ging Hand in Hand mit der Thatcher' Loadsa Money'-Kultur, und heute sind radikaler Stil und kommerzieller Stil nahezu identisch. Was einst auf den Seiten von revolutionär schien Das Gesicht sieht jetzt aus wie normale Handelskultur. '

Viele der frühen Ausgaben der Band von Das Gesicht Vorgestellt wurden selbst eine visuelle Renovierung. In Manchester verschmolz Factory Records Dadaismus und situationistische Theorie mit einer stark industrialisierten Ästhetik. Den visuellen Stil von Bands wie Joy Division, A Certain Ratio und The Duretti Column leitete Peter Saville, ein junger Designer, dessen Erbe Manchester geprägt hat. Er ist der Creative Director der Stadt und verantwortlich für die Beschilderung und visuelle Identität der Stadt Manchester. Die grafische Verpackung im Stil der 1980er Jahre für die jüngsten Nike- und Reebok-Kampagnen sowie eine Reihe von Bands wie La Roux ahmen weiterhin Savilles trope-getriebenen Minimalismus nach.

Wie Saville hatte Malcolm Garrett Grafikdesign an der Manchester Polytechnic studiert und Anfang 20 mit der Arbeit für die aus der Stadt explodierenden Post-Punk-Bands aus Manchester begonnen. Garretts Kunstwerk für Buzzcocks verband eine Underground-Punk-Ästhetik mit herausforderndem, intelligentem Sloganeering. Er schuf Bilder für Bands wie Magazine, Boy George und Simple Minds, aber es ist seine Arbeit für Duran Duran-Albumcover, die bis heute als visuelles Emblem des Grafikdesigns der 1980er Jahre fungiert, wobei zeitgenössische Designer wie Chrissie Abbott stark darauf zurückgreifen Garretts Ästhetik.

Auch in vorgestellt Das Gesicht - sowie die unzähligen Musik- und Stiltitel, die folgten - waren Musiker wie Elvis Costello und andere Künstler von Stiff Records, an denen Barney Bubbles weiter gearbeitet hatte. Bubbles Pop-Art-inspirierter Stil aus den späten 1970er Jahren hatte sich zu einer reineren grafischen Form entwickelt. Sein Albumcover, einschließlich des von Elvis Costello Mein Ziel ist wahr war ein großer Einfluss auf die US-Designszene (und ist es auch weiterhin - schauen Sie sich zum Beispiel die Pop-Punk-Outfits von Westcoast wie Green Day an). Die Werbearbeit von Bubbles für die Veröffentlichung - einschließlich eines sechsteiligen Sammelplakats, das in drei britischen Musikzeitungen geliefert wurde - knüpfte aus kommerzieller Sicht an Punks Underground-Ansatz an, ähnlich wie es Penguin vor 15 Jahren geschafft hatte.

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'Saville, Brody und Garrett wurden nicht von den Stilen und Tropen der Gegenkultur beeinflusst, sondern von der radikalen europäischen Moderne mit ihrer formalen Verwendung von Gittern, der typografischen Theorie und der kontrollierten Verwendung von Bildern und Farben', sagt Shaughnessy. Das Erbe, das diese Designrevolution hinterlassen hat, war nicht so radikal, fügt er hinzu - ein Punkt, den der Designautor Rick Poyner aufgegriffen hat, der kürzlich ein Kapitel über zeitgenössisches britisches Design für geschrieben hat Design in Großbritannien , ein neues Design Museum Buch.

'Sowohl in den 1960er als auch in den 1980er Jahren wurde die kommerzielle und kulturelle Nachfrage nach Grafikdesign von einer wachsenden Wirtschaft angetrieben', sagt Poyner. 'In den 1980er Jahren wurde dies sogar als' Designboom 'bezeichnet. Die Idee, ein Bild durch sorgfältig erfundene visuelle Signale ausdrücken zu lassen, war bereits in den frühen 1960er Jahren wichtig. In den 1980er Jahren war die Sorge um das Image als Ausdruck der Identität zu einer nationalen Besessenheit geworden, insbesondere bei jungen Menschen. 'Stil' war alles in diesem hart umkämpften Jahrzehnt, und Design, einschließlich Grafikdesign, wurde als das magische Mittel angesehen, mit dem eine Person oder ein Unternehmen es erwerben könnte. ' Dies war eine kulturelle und kommerzielle Besessenheit von Stil und Identität, die Großbritannien rund um den Globus exportierte.

Aber dieses kommerzielle Wandern in der Popkultur verkörperte das Design der 1980er und 1990er Jahre. Während Untergrundbewegungen weiterhin das Design beeinflussten - insbesondere die saure Hauskultur der späten 1980er und frühen 1990er Jahre -, wurde der Untergrund nun freigelegt und die situationistische Haltung von Saville, Garrett und Brody in den Mainstream integriert. Es würde eine weitere Revolution brauchen, um Großbritanniens unabhängige Designbehörde wieder auf die Welt zu bringen, und als die digitale Morgendämmerung anbrach, war eine neue Generation von Designern bereit, die Fackel zu übernehmen.

Die digitale Revolution von 1995 bis heute
'Die Radikalisierung des britischen Designs, die mit Saville und Brody begann, erreichte mit Gruppen wie Why Not Associates, Fuel, Cartlidge Levene und Tomato ein Crescendo und stellte eine Welle grafischen Ausdrucks dar, die sich positiv mit dem vergleichen lässt, was in Holland, Schweiz, geschehen war. Japan, Deutschland und die USA - Orte, die bereits einen radikalen Ansatz für Grafikdesign hatten “, sagt Shaughnessy, als er gebeten wird, eine goldene Periode des britischen Designs zu wählen. Obwohl es noch zu nahe ist, um es vollständig zu würdigen, hat die frühe Revolution des digitalen Designs Großbritannien nach der Flaute der US-amerikanischen Grunge-Ästhetik von David Carson, Carlos Segura und Jim Marcus wieder zu einem weltweit führenden Unternehmen gemacht.

Design-Outfits wie FUEL, Why Not Associates und Graphic Thought Facility sind aus den britischen Kunst- und Designhochschulen hervorgegangen und haben Saville und Brodys künstlerisch engagierten Ansatz zur Gestaltung von Arbeiten für Mode, Musik und Film zusammengeführt.

Tomato hat die Dinge noch weiter vorangetrieben und die Verbindung zwischen britischem Grafikdesign und Musik mit Kunstwerken für die Band Underworld verschmolzen - ein Nebenprojekt von zwei Mitgliedern. Dies legte die Blaupausen für Lemon Jelly / Airside und andere Dual-Design- und Musik-Outfits fest.

Aus dieser neuen Generation von Designern stach ein Studio hervor. Shaughnessy und Poyner erklären beide, dass The Designers Republic (tDR) als eines der einflussreichsten Designstudios aus Großbritannien angesehen wird - sowohl in Bezug auf seine kreative Leistung als auch in Bezug auf seine Haltung: 'Ian Anderson leitete tDR wie eine Popgruppe und in Dabei hat er Grafikdesign aus dem professionellen Bereich in das umfassendere Wort von Musik, Stil und Mode gebracht “, argumentiert Shaughnessy. 'Wir halten das jetzt für selbstverständlich, aber früher war es so anders.'

Die Arbeit von tDR für Kunden, die so unterschiedliche Bedürfnisse haben wie Faberge und das V & A Museum für Marlboro und die Kinderspielzeugfirma Hasbro, zeigte die Vielfalt der Talente des Studios. Die Kunden wussten jedoch, dass sie für direkte kreative Beiträge zu tDR kommen würden, anstatt einen Marketing- und Werbebrief zu erfüllen. tDR hatte keinen Hausstil, aber es hatte sicherlich ein Hausethos.

'Design wurde bis dahin als wesentlicher Aspekt der alltäglichen Populärkultur angesehen', sagt Poyner. 'Es wurde eine sehr wünschenswerte Berufswahl. Grafikdesigner waren der festen Überzeugung, dass Design für jede Art von effektiver zeitgenössischer Kommunikation von entscheidender Bedeutung ist und dass ihre Zeit gekommen ist. Es folgten Arbeiten mit großer Sicherheit, visueller Erfindung und Vielfalt. Dies waren die Jahre, in denen die Welt das britische Grafikdesign wirklich zur Kenntnis nahm. '

Zwischen der Dotcom-Büste und der Gegenwart haben sich eine Handvoll britischer Designer einen Namen gemacht, indem sie politische und kulturelle Einflüsse mit kommerziellem Design kombiniert haben. Jonathan Barnbrooks teils protestierende, teils kunstgetriebene Arbeiten inspirieren weiterhin eine Generation ethisch bewusster Designer, während hochmoderne Web- und interaktive Designstudios wie Brendan Dawes 'magnetNorth und das Video-Superstudio Mainframe klassisches Grafikdesign mit technisch fortschrittlichem Design kombiniert haben Bewegung und interaktive Arbeit.

In diesen neuen Bereichen bleibt das britische Design so einflussreich wie vor 40 Jahren. Und obwohl einzelne Waffen möglicherweise durch kollaborative Unternehmen und das Wachstum des Studios ersetzt wurden, können Einzelpersonen dennoch ihre Spuren hinterlassen. Illustratoren wie Kate Moross verbinden weiterhin Mode, Musik und illustrative Kunst mit Designarbeiten für globale Marken wie Cadbury und Nike, während Studios wie Form, Attik und Studio Output kulturelle Bezugspunkte zwischen Mode und einer reinen Grafikdesign-Ästhetik verweben.

Aber Stil muss von irgendwoher kommen, und während London als Musik- und Designhauptstadt der Welt angesehen werden kann, ist es die altruistische und künstlerische Haltung Großbritanniens gegenüber Designarbeiten, die weiterhin das exportfähigste Gut ist. 'Interessanterweise erleben diese vorkonsumistischen Designideen infolge der aktuellen Finanzkrise ein Comeback, insbesondere in den USA', glaubt Shaughnessy. Wenn er Recht hat, könnte es für die nächste Generation britischer Designer ein verstohlener Grund sein, die Welt zu prägen.