Verstehe Disneys 12 Prinzipien der Animation

Prinzipien der Animation
(Bildnachweis: Disney)

Disneys 12 Prinzipien der Animation wurden zuerst von den Animatoren Ollie Johnston und Frank Thomas in ihrem Buch vorgestelltDie Illusion des Lebens: Disney AnimationJohnston und Thomas untersuchen anhand der Arbeit führender Disney-Animatoren ab den 1930er Jahren ihren Ansatz auf 12 Grundprinzipien der Animation.

Diese Prinzipien bilden die Grundlage aller Animationsarbeiten und sind für eine Reihe verschiedener Bereiche relevant. Die klarste Verwendung ist jedoch die Animation eines Charakters (siehe unsere Charakter-Design Tipps hier), diese Regeln sind auch in anderen Bereichen ein unschätzbarer Leitfaden, beispielsweise wenn Sie mit einigen Bewegungen in Ihre Benutzeroberfläche einführen CSS-Animation .

In diesem Artikel sehen wir uns jedes Animationsprinzip genauer an. Um sie in Aktion zu sehen, können Sie sich anmelden Disney Plus .



Dieser Artikel enthält GIFs von Vincenzo Lodigiani , der auch das kurze Video Die Illusion des Lebens (unten) gemacht hat.

Sobald Sie diese 12 Prinzipien der Animation verstanden haben, können Sie Ihre Bewegungsarbeit auf die nächste Ebene bringen. Dies sind die Prinzipien und was sie bedeuten:

01. Squash und Stretch

Das Squash- und Stretch-Prinzip gilt als das wichtigste der 12 Animationsprinzipien. Wenn es angewendet wird, gibt es Ihren animierten Charakteren und Objekten die Illusion von Schwerkraft, Gewicht, Masse und Flexibilität. Überlegen Sie, wie ein springender Gummiball reagieren kann, wenn er in die Luft geworfen wird: Der Ball streckt sich, wenn er sich auf und ab bewegt, und quetscht, wenn er auf den Boden trifft.

Bei der Verwendung von Squash und Stretch ist es wichtig, die Lautstärke des Objekts konstant zu halten. Wenn Sie also etwas dehnen, muss es dünner werden, und wenn Sie etwas quetschen, muss es breiter werden.

02. Vorfreude

Vorfreude hilft, den Betrachter auf das vorzubereiten, was passieren wird. Bei Anwendung wird die Aktion des Objekts realistischer.

Überlegen Sie, wie es aussehen könnte, wenn Sie in die Luft springen, ohne die Knie zu beugen, oder vielleicht einen Ball werfen, ohne zuerst den Arm nach hinten zu ziehen. Es würde sehr unnatürlich erscheinen (es ist möglicherweise nicht einmal möglich zu springen, ohne die Knie zu beugen!). Auf die gleiche Weise lässt das Animieren von Bewegungen ohne ein Flackern der Vorfreude Ihre Bewegung unangenehm, abgestanden und leblos erscheinen.

03. Inszenierung

Die Inszenierung in Animationen ähnelt stark der Komposition in Kunstwerken. Damit meinen wir, dass Sie Bewegung verwenden sollten, um das Auge des Betrachters zu lenken und die Aufmerksamkeit auf das zu lenken, was in der Szene wichtig ist. Konzentrieren Sie sich auf das, was in der Szene wichtig ist, und beschränken Sie die Bewegung von allem anderen, was nicht wichtig ist, auf ein Minimum.

04. Geradeaus Action und Pose zu Pose

Es gibt zwei Möglichkeiten, mit Zeichnungsanimationen umzugehen: Geradeaus und Pose zu Pose. Jedes hat seine eigenen Vorteile, und die beiden Ansätze werden häufig kombiniert. Bei der Geradeausaktion wird von Anfang bis Ende Bild für Bild gezeichnet. Wenn Sie nach flüssigen, realistischen Bewegungen suchen, ist Geradeausfahrt die beste Wahl.

Mit der Pose-to-Pose-Technik zeichnen Sie das Anfangsbild, das Endbild und einige dazwischen liegende Schlüsselbilder. Dann gehst du zurück und erledigst den Rest. Diese Technik gibt Ihnen ein bisschen mehr Kontrolle innerhalb der Szene und ermöglicht es Ihnen, den dramatischen Effekt der Bewegung zu erhöhen.

05. Durchlaufende und überlappende Aktion

Wenn Objekte nach der Bewegung zum Stillstand kommen, halten verschiedene Teile des Objekts unterschiedlich schnell an. Ebenso bewegt sich nicht alles auf einem Objekt mit der gleichen Geschwindigkeit. Dies bildet die Essenz des fünften von Disneys Animationsprinzipien.

Hotkey zum Duplizieren der Ebene in Photoshop

Wenn Ihr Charakter über die Szene läuft, bewegen sich Arme und Beine möglicherweise mit einer anderen Geschwindigkeit als der Kopf. Dies ist eine überlappende Aktion. Wenn sie aufhören zu rennen, bewegen sich ihre Haare wahrscheinlich noch einige Frames weiter, bevor sie zur Ruhe kommen - dies wird durchgearbeitet. Dies sind wichtige Grundsätze, die Sie verstehen sollten, wenn Ihre Animation realistisch ablaufen soll.

06. Langsam ein und aus

Der beste Weg, um das Ein- und Ausfahren zu verstehen, besteht darin, darüber nachzudenken, wie ein Auto startet und stoppt. Es beginnt sich langsam zu bewegen, bevor es an Fahrt gewinnt und schneller wird. Das Gegenteil ist der Fall, wenn das Auto bremst. In der Animation wird dieser Effekt erzielt, indem am Anfang und am Ende einer Aktionssequenz weitere Frames hinzugefügt werden. Wenden Sie dieses Prinzip an, um Ihren Objekten mehr Leben zu geben.

07. Bogen

Wenn Sie in der Animation arbeiten, halten Sie sich am besten an die Gesetze der Physik. Die meisten Objekte folgen einem Bogen oder einem Pfad, wenn sie sich bewegen, und Ihre Animationen sollten diesen Bogen widerspiegeln. Wenn Sie beispielsweise einen Ball in die Luft werfen, folgt er einem natürlichen Bogen, da die Auswirkungen der Schwerkraft der Erde auf ihn wirken.

08. Sekundäre Aktion

Sekundäre Aktionen werden verwendet, um die Hauptaktion innerhalb einer Szene zu unterstützen oder hervorzuheben. Durch Hinzufügen von sekundären Aktionen können Sie Ihren Charakteren und Objekten mehr Dimension verleihen.

Zum Beispiel die subtile Bewegung der Haare Ihres Charakters beim Gehen oder vielleicht ein Gesichtsausdruck oder ein sekundäres Objekt, das auf das erste reagiert. Was auch immer der Fall sein mag, diese sekundäre Aktion sollte nicht von der primären ablenken.

09. Timing

Für dieses Prinzip der Animation müssen wir uns erneut mit den Gesetzen der Physik befassen und das, was wir in der natürlichen Welt sehen, auf unsere Animationen anwenden. In diesem Fall liegt der Fokus auf dem Timing.

Wenn Sie ein Objekt schneller oder langsamer bewegen, als es sich in der realen Welt natürlich bewegen würde, ist der Effekt nicht glaubwürdig. Mit dem richtigen Timing können Sie die Stimmung und die Reaktion Ihrer Charaktere und Objekte steuern. Das heißt nicht, dass Sie die Dinge nicht ein wenig vorantreiben können (besonders wenn Sie eine imaginäre Welt erschaffen) - aber wenn Sie dies tun, seien Sie konsequent.

10. Übertreibung

Zu viel Realismus kann eine Animation ruinieren und sie statisch und langweilig erscheinen lassen. Fügen Sie Ihren Charakteren und Objekten stattdessen etwas Übertreibung hinzu, um sie dynamischer zu gestalten. Finden Sie Wege, um die Grenzen zu überschreiten, und Ihre Animationen werden angezeigt.

11. Feste Zeichnung

Sie müssen die Grundlagen des Zeichnens verstehen. Dies schließt Wissen ein wie man zeichnet im dreidimensionalen Raum und Verständnis von Form und Anatomie, Gewicht und Volumen sowie Licht und Schatten.

Auch hier können Sie die Grenzen überschreiten, aber es ist wichtig, konsequent zu bleiben. Wenn Ihre Welt wackelige Türen und eine verzerrte Perspektive hat, behalten Sie diese Perspektive während der gesamten Animation bei. Andernfalls fallen die Dinge auseinander.

12. Berufung

Ihre Charaktere, Objekte und die Welt, in der sie leben, müssen den Betrachter ansprechen. Dazu gehören ein einfach zu lesendes Design, eine solide Zeichnung und eine Persönlichkeit. Es gibt keine Formel, um dies richtig zu machen, aber es beginnt mit einer starken Charakterentwicklung und der Fähigkeit, Ihre Geschichte durch die Kunst der Animation zu erzählen.

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